Grateful to Shred [Marriage Records, 2011]

Mejor tema del disco: Not listening.

Valoración: 10 out of 10 stars

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Tras un injustificable letargo invernal volvemos a la carga con un LP que nos ha marcado como ningún disco lo ha hecho durante este año. Llevamos siguiendo a White Fang desde que en 2008 publicasen su disco de debut, Pure Evil, un LP tan destacable como irregular, plagado de gamberradas pero salpicado de notas de brillantez en forma de temas como Space Gemz, uno de nuestros hits de cabecera.

Portland, estado de Oregon. Tierra que dio forma al punk de manos de bandas como Paul Revere & the Raiders y lo perfeccionó a través de los nunca suficientemente bien ponderados Wipers de Greg Sage, vuelve a coger la batuta de la escena alternativa tras una década de los noventa a la sombra del grunge de Seattle y unos inicios de siglo XXI marcados por el resurgir de la psicodelia en San Francisco y el rock alternativo y nuevas vanguardias de la costa oeste tanto en Brooklyn como en Baltimore. White Fang, con este tercer LP, se consagran definitivamente como una de las bandas de referencia en estos inicios de década mediante un punk primitivo, de esos que va directo al mentón, cautivándonos a través de once temas de menos de 3 minutos. Auténticos latigazos tan virtuosos como canallas, sin pretensiones, que condensan la rabia de los mejores Misfits y coquetean con el pop igual que hicieron Ramones, referentes tan evidentes como incontestables.

White Fang-Greatfull to shred from TERROREYES.TV on Vimeo.

Estamos convencidos que temas (qué coño temas, auténticos himnos, pura liturgia) como Fuck up a Fascist, Grateful to Shred o Not Listening marcarán un antes y un después en el devenir de esta banda y del sonido punk actual, además de hacernos bailar hasta la extenuación. Siempre hemos sentido cierta repulsión hacia las afirmaciones rotundas como la que ahora ejercemos, cargadas de vehemencia y pasión, pero creemos que en este caso está totalmente justificada. Juzguen ustedes mismos.

Abre el año de novedades discográficas el ínclito Dan Bejar dispuesto a enamorarnos a tod@s con una suculenta colección de sexys canciones que hablan de deseo, desinhibición y anhelo desde una óptica muy setentera. Y es que este disco resulta un frívolo pero acertadísimo experimento dentro de la trayectoria del artista de Vancouver. Es difícil en poco más de 50 minutos de ofrecer tanta variedad, temas breves, temas largos, desde dulcísimas y trabajadas aperturas instrumentales como la de Suicide Demo for Kara Walker hasta hipnóticos pelotazos que golpean de primeras en la mandíbula como Savage Night at The Opera.

No menos maravillosa es la canción que da título al LP y que, como single de presentación del disco, cuenta con un videoclip que resulta una delicia para el que escribe. Y es que en esta era de la inmediatez, del consumo musical indiscriminado y casi bulímico, se agradecen producciones audiovisuales tan elaboradas como ésta, que te obliguen a detenerte durante unos minutos.

'Kaputt' by Destroyer, (Merge Records, 2011). Directed by Dawn Garcia

Nos encontramos ante el que será seguramente uno de los LPs más destacados del primer trimestre del año y que tardaremos en poder olvidar. Ahora sólo queda solicitar al bueno de Dan que se acerque a nuestro país para ver que tal suenan esos temas en directo.

Sin más rodeos, vamos con ello:

Discos a tener en cuenta:

Astrud & Col·lectiu Brossa - Lo nuevo
Boduf Songs - This Alone Above All Else In Spite Of Everything
Boston Spaceships - Our Cubehouse Still Rocks
Burzum - Belus
Caribou - Swim
Clem Snide - The meat of life
Deerhunter - Halcyon Digest
Eels - Tomorrow Morning
Four Tet - There's love in you
Gonjasufi - A Sufi and a Killer
Joanna Newsom - Have One On Me
Kanye West - My Beautiful Dark Twisted Fantasy
Male Bonding - Nothing Hurts
Moonhearts - s/t
Neil Young - Le Noise
Robert Pollard - Moses on a Snail
Scuba - Triangulation
Superchunk - Majesty Shredding
The Fall - Your Future Our Clutter
The Roots - How I got over
The Soft Moon - s/t
The-Dream - Love King
Ty Segall - Melted
White Hills - s/t

Mención especial para:

Com Truise - Komputer Cast vol. 2
Guideo - Anidea
Lüger - s/t
Titus Andronicus - The Monitor
Xela & Jefre Cantu-Ledesma - Love is a dream
Zach Hill - FACE TAT

Los 20 discos de 2010 para Doctor Fassman:

20. Pantha du Prince - Black Noise (Rough Trade)

19. Hype Williams - Untitled (Carnivals)

18. Salem - King Night (IAMSOUND)

17. The Thermals - Personal life (Kill Rock Stars)

16. The Love Language - Libraries (Merge)

15. Indignant Senility - Plays Wagner (Type)

14. Betunizer - Quien nace para morir ahorcado nunca morirá ahogado (Bcore)

13. No Age - Everything in Between (Sub Pop)

12. Women - Public Strain (Jagjaguwar)

11. Demdike Stare - Forest of evil (Modern Love)

10. Trumans Water - O Zeta Zunis (Asthmatic Kitty)

9. Grinderman - Grinderman 2 (Mute)

8. The Capstan Shafts - Revelation Skirts (Rainbow Quartz)

7. Swans - My Father Will Guide Me Up a Rope to the Sky (Young God)

6. Scout Niblett - The Calcination of Scout Niblett (Drag City)

5. Sufjan Stevens - The Age of Adz (Asthmatic Kitty)

4. Odd Future Wolf Gang Kill Them All - Radical (Odd Future)

3. Ariel Pink's Haunted Graffiti - Before Today (4AD)

2. Oneohtrix Point Never - Returnal (Editions Mego)

1. Beach House - Teen Dream (Sub Pop)

Tras más de tres años sin novedad discográfica alguna por parte del dúo barcelonés ya tenemos disponible a través de Spotify y, a partir del próximo 30 de noviembre a la venta, su nuevo trabajo. Mano a mano con el cuarteto de cuerda Col·lectiu Brossa, con los que llevan cerca de un año girando por la península, han revisado una selección de las piezas más emblemáticas que conforman su discografía junto a un par de temas nuevos.

Abriendo y cerrando el álbum las dos nuevas composiciones, el vainiquísimo ‘Lo popular (Retrato de Adrià Grandia)’ y el futurismo etéreo de ‘La música de las supercuerdas (Retrato de Marc Casas)’. Es en ‘Lo nuevo’ donde quedan evidentes las excelentes composiciones de Astrud, así como la solvencia vocal de Manolo, que permiten dar el salto del electro-pop al lirismo más clásico sin prácticamente despeinarse. Y es que en temas como ‘Europa’, ‘Minusvalía’ o ‘Miedo a la muerte estilo imperio’ – donde se alcanza el cénit del mal rollo (Luis XV) – los arreglos del cuarteto de cuerda toman las riendas y consiguen amplificar las sensaciones de calidez y cercanía respecto a las versiones electrónicas originales, mucho más sintéticas.

En definitiva, una nueva obra muy trabajada y exquisita construida a partir de (casi) nada nuevo.

Nos encontramos en la industrial Solihull de principios de los años setenta, una ciudad dormitorio a medio camino entre Birmingham y Coventry, conocida por ser la ciudad donde pasó la mayor parte de su vida el genial Nick Drake. Aquí es donde los hermanos Kevin y Nicholas Godfrey (bautizados artísticamente como Epic Soundtracks y Nikki Sudden respectivamente), unos adolescentes cautivados por el incipiente krautrock alemán y el rock americano – en particular Marc Bolan y sus T.Rex – fundan en 1972 una banda bajo el nombre de Swell Maps. Empiezan a componer y grabar en casa sus primeros temas con Soundtracks a la batería - ocasionalmente también al teclado - y Sudden como cantante y guitarra. Pasan los años de instituto pero los hermanos no consiguen rubricar en un disco sus primeras creaciones por falta de medios y componentes por lo que a partir de 1976 se incorporan a la banda Richard Earl (Biggles Books) a la guitarra y Jowe Head al bajo. Esta será la formación con la que registran su primer EP a finales de 1977, Read about Seymour, que como todo lo interesante que se cocía en aquellos años en el Reino Unido, acabará llegando a las manos del omnipresente John Peel, que no dudó en darles la oportunidad de tocar en directo en su programa de la BBC en octubre de 1978 y darle las alas necesarias para grabar su primer largo.

La actuación en el programa de John Peel supondría un aperitivo de lo que pocos meses después, a inicios de 1979, supondría el primer LP de la banda, A trip to Marineville, en el que también colaborarían John Cockrill alternando bajo y guitarra y David Barrington (Phones Sportsman) como multi-instrumentalista. En una primera escucha ya advertimos que nos encontramos ante una auténtica maravilla, que abre con cuatro trallazos – destacando Another Song - que rebosan gamberrismo, diversión y una alucinante riqueza rítmica. Pero es a partir del quinto tema, Harmony in your Bathroom, donde la banda emprende un cauce diferente, dando con un sonido más oscuro sobre una base instrumental destartalada y arreglada con unos estremecedores efectos vocales, llegando a configurar una atmósfera algo  ténebre y más adulta. Un guante que tras la desaparición de Swell Maps recogió el coetáneo Mark E. Smith con The Fall y que ayudaron a definir el sonido inicial de una banda - tan en boga en la actualidad por su retorno a los escenarios - como Pavement una década más tarde.

A continuación, un video del tema Midget Submarines en el que podemos disfrutar de una de las pocas grabaciones que se conservan de la banda en directo. El audio corresponde a la grabación de estudio.

Y es que A trip to Marineville se unirá a una imprescindible y discreta lista de discos clave para entender el movimiento post-punk, uno de los géneros más proclives durante la década de los 80 a ambos lados del Atlántico.

No había pasado más de un año cuando la banda lanzó su segundo y, a la postre, último LP: Jane From Occupied Europe. En este álbum Epic Soundtracks y Nikki Sudden dan rienda suelta a su vena más experimental y conforman un disco seguramente no tan impactante ni accesible en comparación con A trip to Marineville pero con el mismo recorrido tras varias escuchas. Y es que descubrir melodías tan dulces como Cake Shop entre esa maratón de guitarras desafinadas alternadas con interludios - Mining Villages - que combinan primitivismo y noise es algo imprescindible para llegar con oxígeno hasta el final, donde la banda nos regala un himno eminentemente pop como Blenheim Shots para culminar con una Raining in the Room muy en la línea de los temas instrumentales de Vinni Reilly y su Durutti Column. No tengo ninguna duda de que este es uno de los discos de referencia de Thurston Moore.

Pocos meses después del lanzamiento de Jane From Occupied Europe la banda se desintegró y cada uno de los miembros emprendió su camino. Fue particularmente exitosa – desde el punto de vista cualitativo y no comercial - la carrera posterior de Nikki Sudden al frente de Jacobites, otra de las bandas de culto del Reino Unido, que se mantuvo en activo hasta finales del siglo pasado y que posteriormente continuaría en solitario. Por desgracia, tanto Epic como Nikki murieron. El primero hace ya más de 12 años, el segundo más recientemente (año 2006), ambos con todavía mucha cuerda en el ámbito compositivo y musical pero, por suerte, con un legado musical tan extenso como recomendable.

A continuación, y a modo de homenaje, un video de la que seguramente fuese la última actuación de Nikki Sudden pocos días antes de morir interpretando un tristemente premonitorio Death Is Hanging Over Me.

Hasta hace pocos meses Beach House eran una realidad que, a pesar de conocerla de oídas por sus recientes visitas a nuestro país en los últimos dos años, no le había dado la oportunidad de que entrase a formar parte de mi discoteca. Ahora, recién iniciado el año 2010, se presentan con este LP de título tan sugerente – sólo hay que hacer una búsqueda en el buscador de imágenes de Google para comprobarlo - que consolida lo previamente demostrado en un destacable debut, Beach House (2006) y un notable Devotion (2008).

He escuchado al menos una docena de veces Teen Dream desde que cayó en mis manos a principios de año. En un primer momento no dejaba de pensar en la insolencia, o cuanto menos la mala elección, de abrir el LP con un tema tan redondo y perfecto como Zebra, seguramente una de las mejores canciones pop de los últimos años,  me daba la impresión que la banda quemaba sus naves demasiado pronto. Pero escucha tras escucha descubrí que tras este maravilloso tema se ocultaban dos singles como un templo, Silver Soul y Norway, de esos que crecen a cada escucha y que a estas alturas de la película, con el LP más que madurado en la sesera, tal vez lleguen a superar al embriagador tema del equino en blanco y negro. Tenemos que alcanzar la pista cuatro para encontrar el primer tema terrenal, Walk in the park, sencillo y convencional, notable en líneas generales pero que en el marco de este monumental LP seguramente destaca por ser de lo más discreto del álbum. A partir de Used to be, otra sucesión de buenos temas con cénit en el épico 10 Mile Stereo, que un servidor ansía escuchar en directo por ver si la banda es capaz de transmitir la misma energía que desprende en su versión de estudio. Real Love me trae a la memoria las melancólicas composiciones de Daniel Johnston, al que ya versionaron en Devotion con tanto acierto, y es que ese cover de Some things last a long time es uno de los más brillantes que he podido escuchar de los que conforman la discografía del genio de Palm Springs. En líneas generales, si es que se puede generalizar ante esta obra, nos enfrentamos a un disco que mira adelante y marca una vereda en dirección a la próxima década con ambición y el descaro de una banda que en poco más de un lustro han pasado de ser unos completos desconocidos a contar con tres grandes LPs y una considerable legión de fans.

Y es que uno de los aspectos remarcables en la corta pero tan fructífera trayectoria de Beach House es la asunción de rol de banda creadora tan necesario en una escena tan acomodada el pop independiente norteamericano actual, muy dada al homenaje, al revival continuo y poco a la alquimia. El tan manido tópico del soplo de aire fresco está justificado al referirnos a este dúo de Baltimore, que ha conseguido articular un dream pop sin parecerse una pizca a tótems cómo Cocteau Twins o This Mortal Coil. Y es que tal vez lo que hagan Victoria Legrand y Alex Scally merezca ser rebautizado dentro un nuevo género, no sé, eso ya se lo dejamos a los amantes de las etiquetas. Yo me conformo con poder verlos por primera vez en la próxima edición del San Miguel Primavera Sound. Seguro que no defraudan.

Tras The Wowz, cambio de planes, L’Altra intercambian slot en el horario con DD/MM/YYYY. A la postre nos enteraríamos que la mala planificación eligiendo su vuelo de vuelta de los chavales de DD/MM/YYYY provocó esta alteración. La joven banda de Toronto ofrece un sonido made in Baltimore que en disco resulta bastante inofensivo pero que en directo gana en algunos matices. Si bien la actuación decayó mucho a partir de la mitad en la que quedó en evidencia la falta de tablas, el inicio de la actuación me sorprendió y salí de la actuación con mejor regusto del que esperaba.

Pulsa aquí para ver el video en HD en Vimeo.

Llega uno de los momentos más esperados del festival, Dean Wareham sale al escenario con el uniforme y el repertorio de una de las bandas de rock alternativo de culto de finales de los 80, Galaxie 500. Muchos de los éxitos – como  Temperature’s Rising que podemos disfrutar en el video que acompaña – que salpicaron la corta carrera de la banda norteamericana resonaron en el Teatre Principal y nos transportaron 20 años atrás en el tiempo durante 50 minutos escasos. La versión de Ceremony de Joy Division de la que prácticamente se apoderaron durante su carrera sirvió para cerrar una actuación realmente emotiva y que tan corta se nos hizo a todos.

Pisamos el acelerador pero sin movernos de la década de los 80 ni del continente norteamericano. Ahora que la convergencia entre los sonidos tribalistas, y el pop indie están tan en boga gracias a bandas como Animal Collective, Vampire Weekend o The Ruby Suns no está de más repescar bandas que hace varias décadas ya comenzaron a establecer vínculos entre lo afro-tribal y el punk-rock. Y es que si en Europa tenemos como referente a The Ex, al otro lado del Atlántico una de las bandas encargadas de experimentar con este cóctel fue Savage Republic. Y ahí salieron los californianos, armados con sus instrumentos – barril de gasolina incluído – para ofrecer una aguerrida sesión de post-punk que consiguió espantar al público más poppie que esperaba pacientemente al concierto retrasado de L’Altra. Mención especial al batería, un híbrido entre Angus Young y el demonio de Tasmania que no paró en ningún momento de atizarle a la batería convirtiéndose en la piedra filosofal a partir de la cual nacen todas y cada una de las bases que conforman el, no nos engañemos, escaso repertorio melódico de la banda. De todas formas, en un cartel eminentemente pop y de regusto dulce, se agradecen propuestas más duras que sirvan de contrapunto a tanta dosis de buen rollito y felicidad.

Para cerrar la jornada, orfebrería pop canadiense a cargo de L’Altra. Ni que decir tiene que el intercambio de horario con DD/MM/YYYY les sentó como una patada en el culo. En el prospecto médico de L’Altra debería aparecer la siguiente frase: Nunca consumir pasadas las 2 de la mañana. Y es que, a pesar de que la propuesta ya no me acaba de convencer en disco; en directo, la candidez, el divismo y la intrascendencia se acentúan y la actuación se acabó convirtiendo en una gaseosa de dimensiones cósmicas. Bostezos y más bostezos que hasta los propios artistas consiguieron divisar. Un cierre demasiado descafeinado para una, en aspectos generales, notable edición del Tanned Tin. El año que viene más, seguro.

Tras varios años deseándolo, por fin se me dio la oportunidad de viajar a Castelló a disfrutar de uno de los festivales de música independiente con más solera y prestigio de Europa, el Tanned Tin.  Esta edición se mantuvo en vilo hasta pocas semanas antes de su celebración por falta de apoyo económico de los organismos públicos municipales y provinciales. Tras un primer cambio de fechas (el festival solía realizarse durante la primera quincena del mes de noviembre) se planteó un cambio de sede. Se barajaban los nombres de – principalmente - Valladolid y Tarragona. Finalmente, una - modesta – inyección de capital público castellonense permitió que el festival no se moviera de la capital de La Plana. Y la verdad, después de visitar el Teatre Principal de Castelló, hay que congratularse de que así haya sido. El que escribe ha visitado pocos recintos con más encanto que éste para la ejecución y el disfrute de la música en vivo. La coqueta caja de bombones edificada a finales del siglo XIX es el corazón del festival, el lugar ya invita a ese ambiente de germanor – disculpen la catalanada, no encuentro una  acepción castellana adecuada – que se respira allí dentro.

Aparcando definitivamente las cuestiones económicas, políticas y sentimentales y dejándome llevar por criterios musicales, seguramente el cartel de ésta edición del Tanned Tin no se antojaba tan ambicioso como en los últimos años. Un cartel copado por bandas del sello Acuarela que en su mayoría han girado bastante por la península en los últimos años – véase The Wave Pictures - y encabezado por tres venerados tótems de la música independiente de los 90: Howe Gelb homenajeando la memoria de Johnny Cash con la ejecución íntegra del concierto de éste en la cárcel de San Quentin en el año 1968, Dean Wareham rescatando los temas de Galaxie 500 y Matt Elliott encabezando su proyecto seminal, The Third Eye Foundation.

La primera actuación que tuve la oportunidad de ver fue la de la banda canadiense Picastro, banda que, según la Wikipedia, está enmarcada en el sleep rock, un género totalmente desconocido para un servidor pero que describe bastante bien lo que la banda ofreció. Siendo sinceros, el grupo de Toronto encajaba en una velada marcada por la languidez de las propuestas presentadas, adoleciendo ésta seguramente de algo de canallismo que animase al personal. El formato dúo – la banda no pudo contar con la presencia de su batería Brandon Valdivia – restó matices e interés personal por la actuación, que quedó algo desangelada sin sección rítmica.

Tras éstos, pudimos disfrutar de 45 minutos de música de los desconocidos Callers, un  trío de Nueva York difícilmente clasificable, folk que intenta por momentos jugar con el blues y el jazz apoyados en la calidez de la voz de su cantante, cuya actuación fue en general sobria pero mostrando destellos de brillantez cuando voz, batería y guitarra se soltaron la melena en un par de temas. Un grupo que bien merece una escucha de su, por ahora único, LP Fortune.

Pulsa aquí para ver el video en HD en Vimeo.

Seguramente he sido injusto al no incluir a Luke Haines entre los cabezas de cartel del festival junto con Gleb, Wareham y Elliott. Y es que el bueno de Luke lo merece, tanto por su trayectoria liderando bandas como The Auteurs o Black Box Recorder, como por los grandes temas que ha compuesto a lo largo de su carrera y especialmente por su dominio del escenario, alcanzando altos niveles de empatía con el público. Este último detalle me parece crucial en un festival como el Tanned, cargado de bandas jóvenes con poco rodaje en los escenarios y que por lo general salen, desatan su repertorio con más o menos excelencia y se despiden, sin acabar de conectar en exceso. Salpicar el cartel con artistas veteranos, con cientos de miles de kilómetros a sus espaldas y algo que explicar entre tema y tema siempre se agradece.

Poco después llegó Robin Guthrie para escupir sobre mi ecuación veteranía + genialidad = empatía. El co-fundador de Cocteau Twins nos ofreció un hipnótico, minimalista y sobrio espectáculo audiovisual de 45 minutos. Solo en el escenario, acompañado de sus aparatos electrónicos consiguió hechizar y aborrecer a partes iguales. Combinando momentos  brillantes, lisérgicos, artesanalmente compuestos a base de la superposición de esos riffs tan característicos en la discografía de los escoceses con otros más vulgares - ¿de dónde sacas esos loops tan cutres que metes en algunos temas, Robin Guthrie? – el concierto fluyó acompañado de una etérea pero soberbia proyección hasta su finalización. A remarcar el absoluto respeto del público, en una propuesta con un volumen moderado tirando a bajo, cualquier bocalán podría habernos dado la murga y no pasó en ningún momento.

Es la una de la madrugada y parte del equipo técnico encargado de preparar el escenario aparece con una mesa de grandes dimensiones sobre la que The Third Eye Foundation reposará sus portátiles, instrumentos y demás aparatejos. Por cierto, no puedo acabar la crónica sin remarcar el excelente trabajo de los técnicos durante todo el festival. Cual equipo de mecánicos de la Fórmula 1 los artistas iban alternándose en el escenario sin que te dieras cuenta. Volviendo a la actuación: Primera decepción, se cae de la convocatoria Yann Tiersen. Así que el conjunto liderado por Matt Elliott se presenta en formato cuarteto en el escenario y comienzan a atacar sus macs para ofrecernos sus credenciales de pioneros del sonido Bristol y las bases del Trip-Hop que acabarían popularizando artistas como Portishead, Tricky o Massive Attack. Personalmente, no disfruté de la actuación más que en contados momentos en que coquetearon con el acid más old skool. He de reconocer que ya de base, las propuestas electrónicas enmarcables dentro de la música de baile en un teatro de butacas se me antojan un poco absurdas. Si además ves a un músico contrastado como Matt Elliott rasgando una guitarra electroacústica durante muchos minutos sin que esta se llegue a intuir no queda otra que decir que la decepción fue absoluta. Tras esta mala experiencia final como broche a una jornada algo irregular lo mejor era emprender la retirada y esperar que el día siguiente la cosa fuese a mejor, como así fue.

Ver tantas camisetas con el logo de Wipers desde primera hora de la mañana circulando por Butlins sólo podía ser una buena señal. Y es que la jornada comenzó por todo lo alto, a eso de las 13:30 Shellac, el trío calavera de Chicago, ya estaba sobre el escenario del Centre Stage para ofrecernos un concierto matinal en clave navideña (!!!). Y lo de navideño vino porque no se les pasó por la cabeza otra cosa que abrir con una desestructurada combinación de The End of The Radio con The Little Drummer Boy (para que nos entendamos, El Tamborilero), con Tod Trainer recorriendo toda la pista – repletísima de público para las horas que eran -  y el foso gustándose con su tambor y su baqueta. El concierto en general fue ligeramente inferior en cuanto a coordinación e intensidad al del sábado. Ellos lo atribuyeron a sus vecinos de bungalow que no les dejaron dormir en toda la noche, vete tú a saber quién no dejó dormir a quién. Si alguna cosa se le puede tachar a las dos actuaciones de Shellac del fin de semana es que, además de prácticamente calcar el setlist entre una actuación y otra, no dejaron caer ninguna versión. No hay que olvidar que ellos eran en parte los protagonistas principales del festival, siendo el grupo que más veces ha tocado en eventos programados por All Tomorrows Parties y personalmente eché en falta algún guiño a la audiencia a parte de las ya clásicas ruedas de preguntas entre tema y tema.

Después de Shellac, aparece sobre el Centre uno de los artistas que más ganas tenía de ver, el tejano Josh T. Pearson. Acompañado por el batería de Lift to Experience, ofrecerá una media hora de rock guitarrero denso en la línea de su antigua banda, dejando de lado los sets acústicos que había venido dando en los últimos años. La mayoría de los que estábamos por allí nos quedamos con ganas de más.

El cartel del Centre Stage era inmejorable, mejor no moverse de primera fila ni para ir a mear. Después del barbudo Josh vendrán Deerhoof. Los de San Francisco son la banda que no dudaría en traer para celebrar un cumpleaños, y sin duda refrendaron mi idea. Concierto especial, repleto de covers (All Tomorrows Parties de la Velvet Underground incluído), cambios constantes de instrumentos: Pudimos ver a Greg Saunier a la guitarra y tomando la voz cantante mientras Satomi pillaba los mandos de la batería. Si cualquier concierto de Deerhoof es una fiesta, éste superó a todos. Ellos supieron ofrecer lo que, a excepción de Breeders, muchos esperábamos de un festival ideado para homenajear el décimo aniversario de los eventos ATP. Por emotividad, buen rollo y diversión seguramente fue el mejor bolo de todo el fin de semana…

… Aunque si nos guiamos por otros parámetros, los de la velocidad, la potencia y la mala leche, seguramente el concierto que sigue, el de los Mudhoney, sería el número uno del festival. Abriendo con un Mark Arm despojado de su Gibson ST y gustándose ante las cámaras al más puro estilo Iggy Pop, los de Seattle empezaron el concierto de manera contundente.  Pero menudo giro tomó la actuación cuando Mark cogió la guitarra y empezaron con la tormenta de clásicos de sus dos primeros LPs. Golpeando donde más duele, allí donde el rock’n roll enraíza directamente con las bases fundamentales del grunge y con el público coreando sus mantras tapizados en franela: “keep it outta my face, keep it outta my face, keep it outta my face…”.  Los 75 minutos de actuación pasaron como un suspiro. Cualquiera diría que los señores que estaban sobre el escenario coquetean con la cincuentena cuando le pasan la mano por la cara en energía y descaro a muchos veinteañeros.

Después de casi 6 horas sin salir del Centre Stage aprovechamos para cenar mientras tocan dos bandas que, por diferentes motivos no cuentan con mi interés. Unos, The Mars Volta, cuya propuesta siempre se me ha atragantado y los segundos: Sunn O))), que tras verlos un par de veces poco o nada tienen ya que ofrecerme. Hagan lo que hagan, ya sea un DLB del Monolith and Dimensions, de las Grimmrobe Sessions o de Pet Sounds, todo me acaba sonando igual. Me cansé de subir al tren de la bruja.

Tras un excelente dosis de rock con toques de psicodelia de Sleepy Sun y una actuación casi sonrojante de los desconocidos Tall Firs (puro relleno festivalero), llega el momento de cerrar el festival con el concierto de Polvo. En una jornada eminentemente guitarril, Ash Bowie y Dave Brylawski consiguieron hacerse un hueco en el hall of fame a base de su virtuoso dominio de las seis cuerdas. Mucho menos noise de lo que me esperaba, tirando poco de material clásico y bastante de su último LP, ofrecieron una fantástica exhibición rockera que nos condujo hacía los bungalows con un gran recuerdo y una sonrisa dibujada en la cara (a pesar de la rasca que hace en Minehead en las madrugadas de diciembre).

Al día siguiente nos encontramos con Mudhoney en el aeropuerto de Bristol – nadie diría que son una banda de rock cuando los ves vestidos de calle – partiendo hacía Estados Unidos. Espero que durante este 2010 vuelvan por Europa y se dejen caer por nuestro país, porque ellos, junto con Deerhoof y Afrirampo ofrecieron los mejores momentos del festival.

La jornada del sábado comenzó a lo grande en el escenario Pavillion con el concierto del esperado dúo japonés Afrirampo. Las dos jóvenes integrantes, Pika y Oni, salen al escenario cerveza en mano y ataviadas con unos disfraces más acordes con los Carnavales de Cádiz que con una gélida sobremesa en el litoral británico. Pero ya sólo con su presentación, en un más que rudimentario inglés, y cuatro monerías más fueron capaces de meterse a todo el público en el bolsillo. Puesta en escena cañera, alternando entre el garageo, el noise y diálogos musicalizados a la japonesa que tan hilarantes, por lo infantil, nos resultan a nosotros los occidentales. Los horarios no fueron justos con las Afrirampo, que seguramente hubiesen sido el concierto del festival si se hubiese realizado más avanzada la tarde. El cariz lúdico-festivo de la actuación bien exigía un par o tres de pintas de cerveza en el cuerpo y  el estado de sobriedad se encargó de hacer destacar los defectos de una propuesta musical no muy sólida y con frecuentes altibajos durante los 60 minutos de actuación.

Tras la actuación de Afrirampo nos dirigimos hacia el Centre Stage para ver el primer concierto del fin de semana a cargo de Shellac. Había muchas ganas de ver a Shellac en su hábitat natural, la sala de conciertos, tras verlos a cielo abierto o en auditorio en el festival Primavera Sound. Y cumplieron, vaya si cumplieron. A pesar de recurrir al setlist habitual, donde no faltaron “My black ass”, “Crow”, “The End of the Radio”, “Steady as she goes”, “Squirrel song” o una particularmente brillante e intensa “A minute”. Es una delicia ver a tres músicos tocando conjuntamente con un grado de compenetración y equilibrio de personalidades tan sólido. Trainer, icónico, con un gesto, un baquetazo o una mirada puede infudir cualquier tipo de sentimiento en el público. Weston, el líder en la sombra, controlando todo lo que sucede en el escenario tras las cuatro cuerdas de su Travis TB2000. Y el último vértice del triángulo, Albini, tan locuaz como perfeccionista, siempre dispuesto a dar la estocada en cualquier tema o rueda de preguntas. Como anécdota,  uno de los asistentes al ATP envió un email a Steve Albini unas semanas antes del festival preguntándole si la banda podría traerle un Whiskey de Chicago - Jeppson's Malort – imposible de encontrar en Europa. Sólo hay que echarle un ojo a la imagen adjunta para ver que la banda cumplió con el encargo. Eso sí, Steve Albini dijo que era el peor destilado que se podía encontrar en todos los Estados Unidos con diferencia.

Después del subidón que siempre supone ver a Shellac, pusimos otra vez rumbo hacia el escenario grande para ver uno de los grupos que más ganas tenía de ver, Battles. Y lo que en un principio y ateniéndose a criterios personales debía haber sido uno de los conciertos de festival supuso una gran decepción, tal vez la más grande de todo el fin de semana. Los nuevos temas no hay por donde cogerlos, tirando de loops pregrabados realmente toscos y poco trabajados. Ni los grandes hits del Mirrored consiguieron sacarme de la decepción. Por otro lado, cuando vinieron al Primavera Sound el año 2007 gocé bastante del concierto bailando y dejándome llevar por la música, sin prestar mucha atención al escenario, por lo que no me percaté de la profunda rabia que produce el cantante. Cuando faltaban un par de temas para acabar el concierto abandonamos el escenario hastíados y realmente decepcionados.

Tras la cena, optamos por volver al escenario grande a ver a The Breeders, una banda en la que no estoy muy ducho pero que ya la presencia de las gemelas Deal ya justifica la asistencia. Ración de 90s a mansalva y un setlist intuyo que especial por los comentarios de Kim Deal entre temas y a su vez la reacción eufórica del público. Una vez finalizado el concierto, la banda tuvo el detalle de homenajear a la organización de ATP con un enorme pastel con la forma de la carpa de Butlins que Barry Hogan, Deborah Kee Higgins y Shaun Kendrick salieron a recoger y repartir con el público tras la actuación.

A continuación, en el Centre Stage, aparecen The Drones en el escenario. Era la tercera vez que los disfrutaba en un año, y dieron la talla con creces, como siempre que he tenido el placer de verlos. Tal vez echando en falta un par de esos energéticos temas con los que cierran los bolos y con unas particulares ganas de que el bolo terminase... M e tocó al lado la fan australiana “number one” de la banda que se pasó todo el concierto vacilando a seguratas, gritándole a todos los integrantes de la banda en plan hooligan, liderando a las masas y, para culminar, lanzándome encima del jersey una pinta de cerveza entera...

Después de Drones, vamos a ver el único concierto de la jornada en el escenario Red’s, a ver a la nueva banda de Geoff Barrow, Beak>. Y la propuesta que nos presenta el amigo Barrow es más que interesante. Tejiendo bases 100% sonido Bristol y con el acompañamiento de dos buenos músicos, reconocí que el bajista que le acompaña es el de Fuzz against Junk, y un multiinstrumentalista, Matt Williams, del que no tengo referencias. La propuesta más bailonga del día de la que únicamente me cojea un poco la parte vocal de los temas (en su mayoría instrumentales).

Cabe decir que posteriormente lo intentamos con The for Carnation pero no eran horas para una propuesta tan lánguida de la que poco o nada conocíamos, así que optamos por tirar para el bungalow a ver un rato de ATP TV y prepararse mental y físicamente para una jornada de domingo dura, pero gloriosa.